Kill Bill Volume 1: la sanguinaria sinfonia di Tarantino ritorna al cinema

Kill Bill Volume 1ritorna al cinema : la recensione del primo, febbrile capitolo dell’epica saga di vendetta firmata da Quentin Tarantino

Nato dalla mente vulcanica di Quentin Tarantino e concepito inizialmente come un unico, mastodontico kolossal, il film fu diviso in due parti per preservarne l’integrità narrativa. Questo primo volume si presenta come un proiettile sparato a bruciapelo: un concentrato febbrile e iper-cinetico di vendetta che trasforma il dolore della Sposa, interpretata da una titanica e indimenticabile Uma Thurman, in una sublime, insanguinata forma d’arte contemporanea.

L’opera si erge come un monumentale e sfacciato atto d’amore verso i generi cinematografici che hanno nutrito la giovinezza del regista. Dalle inquadrature che ricalcano pedissequamente gli spaghetti western di Sergio Leone, passando per la furente blaxploitation, fino ad arrivare ai film di arti marziali della leggendaria Shaw Brothers. Tarantino non copia, ma metabolizza e rielabora freneticamente, creando un universo iper-reale in cui la celebre tuta gialla di Bruce Lee può convivere perfettamente con le impareggiabili katane di Hattori Hanzo, forgiate da uno splendido Sonny Chiba.

L’incubo animato e il passato di O-Ren

Per onorare la nostra tradizione dei due capitoli extra dedicati ai dettagli cruciali, è impossibile non soffermarsi sulla clamorosa sequenza animata. Per raccontare le tragiche origini di O-Ren Ishii, il regista compie una scelta di rottura totale, affidando il segmento al prestigioso studio giapponese Production I.G. Questo brutale e stilizzato intermezzo anime non è un mero vezzo estetico, ma uno strumento narrativo chirurgico: permette di mostrare livelli di violenza, abusi e spargimenti di sangue che in live action sarebbero risultati insostenibili o censurabili, ammantando la genesi della futura spietata boss della Yakuza di una macabra e poetica aura mitologica.

La lama sonora e i fiumi di sangue

Il secondo, irrinunciabile approfondimento riguarda il tessuto sonoro e artigianale dell’opera. Sotto la sapiente e caotica supervisione musicale di RZA, la colonna sonora diventa un personaggio a sé stante, tanto letale e incisiva quanto la lama della protagonista. L’accostamento schizofrenico di flauti di pan, ritmi hip-hop e l’iconica Bang Bang crea dei cortocircuiti emotivi clamorosi. Ogni fendente, ogni passo e ogni schizzo di sangue (rigorosamente spruzzato sul set con i compressori e preservativi pieni di finto plasma, in puro stile chambara nipponico) si muove al ritmo di una playlist che ha ridefinito il concetto stesso di compilation cinematografica.

Tornando all’ossatura della narrazione, il viaggio della Sposa è scandito da un’ineluttabile e metodica lista della morte. Lo scontro fisico e verbale nel salotto suburbano con Vernita Green (Vivica A. Fox) stabilisce immediatamente il tono grottesco dell’intero film, mescolando coltelli da cucina, scatole di cereali colorate e dialoghi taglienti in un brutale e ironico contrasto con la pacifica vita familiare della vittima.

Il risveglio, la zanzara e la Pussy Wagon

Uno dei segmenti più disturbanti e al contempo intrisi di dark humor dell’intera pellicola è senza dubbio il risveglio della Sposa dal coma, durato quattro lunghissimi anni. Tarantino sceglie di interrompere questo sonno profondo non con un colpo di scena teatrale, ma con il fastidio banale e squallido di una zanzara. Quello che segue è una discesa in una realtà raccapricciante: la scoperta degli abusi subiti nel sonno per mano dell’abietto infermiere Buck e dei suoi clienti. La violenza con cui la protagonista si riappropria del proprio corpo, schiacciando la testa del suo aguzzino tra le porte per poi fuggire a bordo del pacchiano e sgargiante pick-up “Pussy Wagon”, mescola un orrore indicibile a una catarsi grottesca. È qui che il pubblico comprende definitivamente di non essere di fronte a una classica eroina hollywoodiana, ma a una vera e propria forza della natura, inarrestabile e moralmente spietata.

Gogo Yubari e la letalità dell’innocenza

Prima di giungere allo scontro finale con O-Ren, la Sposa deve affrontare l’ostacolo forse più folle e iconico generato dalla mente del regista: la giovanissima e sadica guardia del corpo Gogo Yubari. Interpretata da una magnetica Chiaki Kuriyama (già resa celebre dalla sanguinosa distopia di Battle Royale), Gogo rappresenta la perfetta, brutale sovversione del topos nipponico della scolaretta innocente. Vestita con una impeccabile uniforme scolastica e armata di un devastante meteor hammer (una palla di ferro chiodata legata a una catena), la ragazza regala al pubblico uno dei duelli fisicamente più creativi e letali dell’intera saga. Il contrasto tra i suoi lineamenti fanciulleschi, le risatine isteriche e l’estrema efferatezza dei suoi colpi racchiude in pochi, frenetici minuti l’essenza stessa dell’intero Volume 1: l’estetizzazione assoluta e surreale della violenza.

La Casa delle Foglie Blu e la neve

Ma è nell’epocale terzo atto, all’interno della lussureggiante Casa delle Foglie Blu, che Tarantino scatena l’inferno coreografico definitivo. La carneficina contro l’esercito degli 88 Folli (capeggiati da un fiero Gordon Liu), girata parzialmente in un elegantissimo bianco e nero per omaggiare le scappatoie visive dalla censura televisiva americana degli anni Settanta, è un massacro inarrestabile, un balletto estenuante di mutilazioni che testa i limiti fisici e la rabbia della protagonista.

Il climax visivo abbacinante si sposta poi nel silenzio del giardino zen, spegnendo il caos in un duello intimo e solenne sotto la neve contro l’algida O-Ren di una ipnotica Lucy Liu. Un finale sospeso e malinconico, che si interrompe bruscamente su uno dei cliffhanger più celebri e beffardi del decennio (“La figlia è ancora viva…”), lasciando il pubblico senza fiato.