La bola negra, recensione del film di e Javier Calvo e Javier Ambrossi: tre storie attraversano epoche diverse per raccontare , omosessualità, memoria storica e familiare.
Festa del Cinema 2026, La bola negra recensione del film diretto da Javier Calvo e Javier Ambrossi, La bola negra intreccia le vite di tre uomini in tre epoche diverse della storia spagnola: 1932, 1937 e 2017. Tre percorsi che si intrecciano, e fanno tutti parte di un’unica storia. Il film ha vinto ex aequo con Paweł Pawlikowski per Fatherland, il premio per la regia a Cannes e il premio del Pubblico al Festival di Toronto 2026.
La bola negra, trama
Nel 1932, Carlos, giovane appartenente all’alta borghesia di Granada, vede respinta la propria richiesta di entrare in un prestigioso casinò cittadino a causa della sua omosessualità. Nel 1937, durante la Guerra civile spagnola, Sebastián, trombettiere nelle file nazionaliste, si ritrova a sorvegliare Rafael Rodríguez Rapún, prigioniero repubblicano e ultimo compagno di Federico García Lorca. Nel 2017, Alberto, distante dalla madre a causa della propria omosessualità, riceve le ultime volontà del nonno e un documento destinato a riportare alla luce verità rimaste a lungo taciute.
Ispirato all’opera incompiuta di García Lorca che dà il titolo al film, La bola negra attraversa generazioni e contesti storici per riflettere sul peso della repressione, sulla libertà di amare e sulla memoria di chi è stato costretto a nascondere la propria identità.
La bola negra, la recensione
In La bola negra, Javier Calvo e Javier Ambrossi costruiscono un racconto che attraversa epoche diverse per interrogarsi sulla repressione dell’omosessualità e sulle conseguenze che questa lascia nelle vite di chi la subisce. Il risultato è un film in cui la dimensione privata si intreccia costantemente con quella storica, mostrando come il desiderio possa diventare motivo di esclusione, sofferenza e silenzio in contesti sociali differenti.
È proprio nella rappresentazione della repressione storica che l’opera sorprende di più. L’omosessualità non viene affrontata soltanto come una questione individuale, legata all’identità e alla possibilità di amare liberamente, ma anche come una realtà sottoposta al giudizio e alla violenza della società. Questi atti repressivi, che ci sembrano tanto lontani dalla nostra epoca, diventano estremamente vicini a noi. Ambientando l’episodio che ricostruisce la storia nel 2027 i due autori si avvicinano alla nostra realtà, e quel che è cambiato è poco. I legami familiari continuano a essere tesi per via dell’orientamento sessuale del protagonista, e questo è un punto comune a tutte le epoche: la repressione del proprio io.
Il film restituisce così il peso di un sistema che, in epoche e forme diverse, ha imposto alle persone di nascondersi, negando loro la possibilità di vivere apertamente la propria identità. La dimensione storica in questo modo si intreccia a quella personale e i due legami diventano imprescindibili, inoltre troviamo anche un episodio che sarebbe di finzione ma che porta la stessa repressione di quelli reali. Facendo così, la grande storia personale diventa uguale alla Storia della repressione spagnola e della dittatura franchista. Questo legame tra le due storie lo ritroviamo anche in Fatherland e testimonia una necessita di rivivere la Storia attraverso la storia personale.
Questo discorso è possibile soprattutto grazie alla struttura narrativa. Le tre storie, collocate nel 1932, nel 1937 e nel 2017, funzionano come parti di un unico disegno, pur mantenendo ciascuna una propria specificità. Il passaggio da un’epoca all’altra non interrompe il racconto, ma ne amplia progressivamente il significato, mettendo in relazione esperienze individuali e trasformazioni collettive. Le storie attraversano gli anni e dialogano tra loro, la Storia diventa quindi un trauma generazionale, nello stesso modo in cui i traumi familiari diventano anch’essi generazionali. Non solo le linee narrative dialogano tra loro ma si passano i traumi, con particolare riferimento alla repressione.
Un’altra caratteristica importante è quella dello sguardo maschile, nel film gli sguardi si posano sempre su degli uomini, solo in un caso, la scena con Penelope Cruz, lo sguardo maschile si posa in maniera animalesca sul corpo della donna. Il passaggio è reso benissimo e l’unico sguardo non oggettificante è quello di Carlos, che cerca nella donna una dolcezza. La scena è una delle miglior riuscite del film, anche grazie a un’interpretazione indimenticabile dell’attrice, che in pochi minuti di screentime riesce a rendere l’idea di una società repressiva che posa lo sguardo su una donna come se fosse un oggetto. La bola negra è un film dove ci sono solo uomini, le madri sono poche e sempre sottomesse ai mariti. Gli autori riescono a rendere quindi uno specchio del momento storico del tempo, purtroppo con degli episodi che ci risuonano molto familiari.
La scelta di articolare il film su tre piani temporali consente inoltre ai registi di evitare una rappresentazione unica dell’omosessualità. Le esperienze dei personaggi assumono significati differenti a seconda del contesto in cui si sviluppano, ma sono accomunate dalla necessità di confrontarsi con una società che non sempre concede spazio alla libertà individuale, e che ritiene più facile sopprimere che liberare.
Il film riesce così a tenere insieme memoria e identità, trasformando tre vicende distinte in una riflessione più ampia sulla possibilità di essere se stessi. La solidità dell’impianto narrativo e l’attenzione riservata alla repressione storica rendono La bola negra un’opera capace di affrontare un tema che va avanti in tre archi narrativi, riuscendo ad essere in qualunque momento convincente.
